Je  quitte la narration chronologique du voyage afin de vous présenter un artiste peintre que vous pourrez retrouver au Festival d'art sacré de Senlis auquel je participe également.

A Kofu, au pied du Mont Fuji, j'ai eu le bonheur d'être accueillie par Haruo Tsustumi et son épouse.

Avec une grande générosité, Il m'ont fait découvrir des merveilles sur lesquelles je reviendrai plus tard, car à présent je vais vous parler de l'oeuvre de Haruo Tsutsumi .

Haruo Tsutsumi peint sur les surfaces de bois découpées de façon circulaire dans des cèdres anciens.

Il les laisse ensuite vieillir pendant deux années à l'extérieur ce qui dilate le bois et altère la couleur; ensuite, il le brule au chalumeau pour lui donner un aspect plus ancien.

Il utilise la technique du nihonga, dans laquelle des pigments naturels sont mélangés à de la colle animale. Le nihonga est une technique ancestrale venue de Chine en suivant la Route de la Soie.

Ces oeuvres, héritières des peintures votives de l'ancien Japon, "Ema" (Littéralement "Image-cheval"), peintures sur bois que l'on offrait au temple en échanges de bonnes grâces; ces images de cheval messager de Dieu sont aujourd'hui devenues des jeunes filles sous le pinceau de l'artiste.

Haruo crée une oeuvre inspirée.

Ses jeunes femmes qui nous rappellent des anges florentins sont inspirées des icônes byzantines u russes que le peintre a découvertes il y a 40 ans. Des images issues d'autres cultures apparaissent pour se transformer en symboles universels. Telle église orthodoxe sur la tête d'une jeune fille semble contenir les multiples pièces de notre psyché.

Telle tablette gravée de paroles sacrées dont on n'a pas besoin de connaître le sens pour en accepter le pouvoir. ( « Et le verbe fut ») Ces pétales flottant dans le souffle de la jeune fille sont autant de cœurs symbolisant l'amour. (« Le souffle est la vie »). Les visages de ces jeunes filles (en réalité une seule jeune fille) semblent graves, comme abîmés dans la réflexion.

En réalité, elles rêvent ; et c'est le rêve du peintre qu'il nous est donné de voir.

Haruo Tsutsumi participe au Festival d'art sacré de Senlis du 21 au 28 avril. Vous êtes invité au vernissage dimanche 21 à partir de 18h !

http://festivaldesenlis.fr/fr/

J'ai découvert le travail de Sadanori Fukui il y a déja quelques temps quand je faisais des recherche à propos du nihonga sur bois. Puis j'ai vu quelques unes de ses oeuvres à la galerie Vanessa Rau qui m'avaient donné envie d'en savoir plus. Entre Ema et Nihonga traditionnel, les oeuvres de Sadanori Fukui sont en effet inclassables si ce n'est qu'il est difficile de ne pas tomber sous leur charme, surtout quand on aime la beauté des matériaux naturels. Je viens à Uji pour la deuxième fois car en 2012 j'étais venue y rencontrer le fabriquant de pigments Nakagawa.

Sadanori-san est venu me chercher à la gare pour me conduire à son atelier; nous y aurons un entretien , puis nous irons à Nara où a lieu son exposition .

L'atelier de Sadanori-san, est situé dès l'entrée de sa maison, derrière quelques arbres dont un camélia que j'imagine en fleurs aujourd'hui.

Rempli de tous les matériaux au service de sa créativité, d'oeuvres en cours ou terminées, prêtes à être exposées, je mesure ma chance de pouvoir visiter son atelier et d'ainsi découvrir les secrets de fabrication de l'artiste. En effet, bocaux et fioles contiennent principalement des matériaux glanés dans la nature par lui même ou envoyés par ses amis, aux quatre coins du monde. Pierre, cristaux, sables, terres, coquillages, graines, bois offriront une gamme de teintes de gris, d'ocres ,rouges, bruns et noirs.

Une palette idéale pour exprimer toutes émotions liées à la nature.

Je suis d'abord fascinée par les essences de bois dont des exemplaires sont stockées à la verticale contre les murs. . Douces au toucher aux fibres nuancées, des essences de pin, cèdre rouge, chêne,  offrent un merveilleux support pour le créateur inspiré . Sadanori-san m'explique qu'il a voulu retrouver dans sa peinture  le geste du peintre des origines, quand celui ci cherchait ses couleurs dans la nature et les appliquait sur les parois des grottes. Ainsi , si c'est chez un marchand de bois qu'il achète ses planches, il tient ensuite à les traiter comme le faisaient les artisans japonais il y a 1300 ans . En effet, il m'explique avec l'aide d'un dessin qu'à l'époque les planches n'étaient pas débitées à la scie comme aujourd'hui. Chaque tronc ne pouvait produire qu'une planche façonnée avec un outil : kawahagi. Sadanori-San m'explique alors en dessin le procédé. Plus tard, alors que j'étais à la recherche de ces fameuses planches un menuisier m'a montré l'outil. Sadanori-san retravaille ses planches avec une sorte de gouge, ce qui leur donne alors un aspect comme sculpté, non lisse.

Le peintre me montre alors comment il broie ses pierres, avec un simple pilon et un mortier, par petites quantités. Parfois ce sont des graines calcinées ou des bambous qui seront brulés pendant plusieurs jours pour produire un pigment noir.

Il achète des pinceaux bon marché, car ceux ci seront soumis à rude épreuve; avant de les utiliser, il les retaille pour les adapter à ses besoins.

Sadanori-San   pense que ce type de création ne fait pas partie de ce que l'on nomme nihonga car sa démarche est particulièrement originale; pourtant  il se rapproche du nihonga des origines par le désir de se rapprocher au plus près de la nature.

Les motifs sont le plus souvent animaliers, parfois végétaux, plus rarement des personnages issus de légendes.

Ayant à coeur de faire en sorte que ses oeuvres soient à portée de tous, il peint sur des formats modestes, produit beaucoup, expose aussi dans de nombreuses villes au Japon et souvent à Kyoto, lors d'expositions collectives et personnelles.

Ainsi il me propose de l'accompagner à son exposition dans une petite galerie de Nara.

Nous prenons le train , un temps utilisé pour broyer un sable rouge d'Hawaï qu'il utilisera lors de sa démonstration qu'il fera à la galerie.

A bientôt à l'exposition de Sadanori Fukui à Nara! C'est dans le prochain article...

Ici, le site de Sadanori Fukui

 Kochi-Kenten est le salon d'art de la préfecture de Kochi. Cette année avait lieu le 72 ème salon .Il présente différentes disciplines artistiques en 8 sections : le nihonga,  la peinture "Western style" (oeuvres à l'huile), la calligraphie, la photo, l'artisanat , le graphisme, la sculpture, et l'art contemporain (Sentan art) . Toute personne adulte résident dans la préfecture de Kochi peut présenter une oeuvre pour avoir une chance d'être sélectionnée. Celles ci sont exposées dans deux lieux.  Le Musée d'Art de la Préfecture de Kochi, et le Centre culturel de Kochi

La section nihonga est exposée au Musée d'art de la préfecture de Kochi . Lorsqu’une personne remporte le premier prix à trois reprises, elle devient Mukansa (une personne qui est exemptée des examens  requis pour participer à l’exposition). Il y a 6 Mukansa dans la section de Nihonga maintenant, y compris Yoichi Araki.

Les Mukansa choisissent un juge chaque année,  issu des écoles Inten-school, Nitten-school et Sogakai-school  (par roulement).

Je suis frappée par la diversité des oeuvres et des styles bien que l'on présente ici une seule discipline, certaines oeuvres sont presque monochromes d'autres sont aux nuances vives et multicolores. Mais comme souvent dans le nihonga, il se dégage une harmonie et un sentiment d'équilibre qui est propres à cet art.  Les oeuvres sont presque essentiellement figuratives.

L'œuvre de Araki sensei figure le portrait de son chien barzoi. Je ressens la tristesse de ce tableau . En effet le chien est décédé récemment d'un cancer des os à seulement 11 ans. La douceur de ses couleurs et la subtilité de la douceur de ses poils n'attenuent pas la mélancolie du regard .

J'ai la chance que cette année le premier prix soit revenu à Mariko Yagi. De la chance car ainsi nous avons pu parler ensemble car elle maîtrise très bien  l'anglais . De la chance aussi car son œuvre me touche particulièrement. C'est la deuxième fois qu'elle reçoit ce prix.

Mariko Yagi est venue au nihonga sur le tard. Diplomée de l'université dans une section artistique elle a étudié la peinture « Western style » , puis a travaillé dans le domaine du design pour le kimono. Après avoir accompli une carrière d'épouse et mère au foyer, elle a repris la peinture il y a une dizaine d'années en étudiant avec Araki sensei. Elle aime la diversité des possibilités qu'offrent les pigments minéraux , ce qu'elle ne retrouve pas dans la peinture à l'huile.

Elle pense que le procédé qui consiste à superposer les couches de pigments apporte à l'oeuvre une richesse incomparable. « Peu importe le nombre de couches de pigments que l'on peut poser, le dessin initial est toujours présent ». On pourrait faire un parallèle avec l'être humain. Malgré les années qui passent l'Etre d'origine est toujours présent. 

Je découvre l'oeuvre de Mariko que j'avais seulement vue en photo. Je suis impressionnée par le format. Et Je ressens des émotions positives en regardant cette oeuvre . Il s'en dégage comme une douce énergie vivifiante. Tel le cycle de la vie Il représente un fossile (une ammonite) qui forme comme une spirale ascendante entrainant dans son sillage fleurs et papillons dans une harmonie aux teintes naturelles de sienne et d'ocres. La réalisation de son oeuvre lui a demandé 3 mois de travail.

Après avoir posé de la feuille d'argent autour du motif, Mariko san a peint en couches de pigments successives poursuivant une vision dont elle ne connaissait pas la finalité.

Je remarque que certaines parties sont plus esquissées . Elle s'est retenue de peindre les fleurs de couleurs trop fraiches me dit elle . « si vous peignez trop cela ne fonctionne plus  » « Less is more » est la devise. Il faut réaliser le pari de faire ressentir un long passé par une économie de moyens cependant. A travers le fossile, Mariko a voulu faire ressentir une impression de temps immémoriaux,

Outre la matière donnée par les cristaux des pigments minéraux, elle réussit le pari de donner la sensation d'une œuvre longuement élaborée grâce à des effets de vibration. Ceux ci sont donnés par un réseau de lignes très fines en forme d'étoiles que l'on ne peut remarquer qu'en s'approchant de très près.

Me souvenant que Kochi est le lieu de naissance du plus illustre des botanistes japonais Tomitarô Makino , j'ai demandé à Mariko -san le nom des fleurs qu'elle a représentées. Ainsi vous pourrez y reconnaitre le Lys 'Casablanca" , le tournesol, l'anémone, le pissenlit, la myrtille, la vigne sauvage, des baies sauvages, les fougères, l'érable , le ginkgo, des cycads (sorte de palmier), des lychens, du jasmin d'Asie. La spirale de fleurs va s'épanouissant et se termine en haut du tableau par l'apparition de gousses de graines. , symbolisant le mouvement du passé vers le futur et les différentes étapes de la vie. Les graines portent en elles un potentiel de vie ainsi qu'une idée du futur. Les papillons présents au dessus des fleurs symbolisent la vie éphémère et nous rappellent à la fois l'impermanence et l'instant présent.

Elle a nommé son oeuvre "La vie"

Voici un camélia qui ressemble tellement à une rose qu'il pourra symboliser une amitié franco japonaise. Tsubaki 椿 (l'arbre aux feuilles luisantes ) est le nom japonais du camélia , et il est l'équivalent de la rose chez nous.

Il a été choisi par des samourais comme emblème. Est ce pour la fugacité de sa floraison symbolisant la fragilité de la vie ou pour la persistance de son feuillage? "l'impermanence est la loi universelle" Bouddha

Edit:

Merci à mon amie Béa de m'avoir corrigée sur cette information qui est largement véhiculée sur les sites d'horticulture et de jardin mais qui est fausse: 

NON le camélia n'a jamais été choisi par les ou des samourais comme emblème. Voici la carte des "Kamon" des familles des samouraïs . Pour en savoir plus sur la voie des samourais

Les plantes et les jardins du Japon avec Sophie Le Berre (Une source sure!)

Dans la vidéo suivante je montre l'élaboration de la peinture en nihonga de cette fleur. Ce sont les étapes minimum pour la réalisation d'un motif, sachant que plus vous l'élaborerez en "précisant/floutant" plus vous nourrirez son âme.

Akatsuki no

Tsurube ni agaru .

Tsubaki kana

A la surface du seau du puits
à l’aube,
un camélia

Kakei

Dans mon précédent article je vous ai présenté l'atelier de Araki Yoichi, artiste peintre. C'est au centre culturel de Kochi , dans un deuxième atelier baigné de lumière et offrant une magnifique vue sur la ville , qu'il  enseigne la peinture nihonga. Ici une quinzaine de personnes sont penchées sur leurs oeuvres  avec des pigments suihi, ou avec des pigments enogu suivant leur niveau.

Cet élève a photographié le chateau de Himeji, l'a dessiné et après avoir peint l'ébauche en sumi, va poser les pigments. Une  personne a esquissé une reproduction d'un coq réalisé par Ito Jakuchu, et a ajouté une poule. Une autre personne peint un bouquet d'après une reproduction.

Le professeur suit chaque élève dans l'élaboration de son oeuvre.

Il me montre avec la peinture d'une simple feuille, l'importance de l'eau dans la pose du pigment.

Dans un prochain article je vous en dirai un peu plus sur l'artiste Araki Yoichi